Surgido en Italia, y evolucionando con no poca afinidad con el fascismo, sus valores filosóficos (“¡Viva la guerra!”,”¡Fuego a las bibliotecas!”…) no son muy apreciados que digamos, pero hay que admitir que, en muchos aspectos, el mundo  se ha vuelto extremadamente futurista por pura inercia… El caso es que recientemente me he encontrado con dos excelentes obras fuertemente vinculadas a esta corriente artística, aunque cada una a su manera.

La primera y más evidente es la película “Vincere” de Marco Bellocchio. Digo evidente porque Mussolini es uno de sus protagonistas y tanto los futuristas como sus consignas aparecen en ella de manera explícita. El director se sirve del dramatismo exagerado, la música enfática y una narrativa “urgente” para contarnos la historia de Ida Dalser, amante y colaboradora del dictador cuando éste no era más que un periodista con ansias “revolucionarias”. Una vez ascendido al poder, Mussolini abandona a Ida y al hijo de ambos, que no reconocerá. El meollo de “Vincere” está en la lucha de Ida por conseguir ese reconocimiento, a costa de su libertad y la mismísima cordura. Un periplo emocionante a la vez que terrorífico y perturbador, en el que no cabe la razón, solo tirar hacia adelante pase lo que pase sin pensar en las consecuencias.

Por su parte, el manga “Viaje” de Yuichi Yokoyama también tiene su punto futurista, tanto por su rupturismo gráfico y narrativo como por su temática. “Viaje” cuenta eso, un viaje de tres individuos en tren, sin diálogos, sin argumento, pero con una obsesión clara por parte del autor: capturar la sensación de movimiento, de tránsito, de velocidad. Su idiosincrasia no podría estar mejor explicada que en el manifiesto futurista de Marinetti: “…un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”.

Yokoyama se las arregla para replicar con su abstracto trazo esos momentos únicos del viaje en tren: El sol entrando por las ventanillas en cambiante dirección e intensidad, las gotas de lluvia deslizándose sobre los cristales, los edificios pasando a toda velocidad, paisajes grandiosos que se descubren tras una curva o al salir de un túnel… una experiencia embriagadora… y muy futurista.

via Fubiz

Se dice que con “Los Soprano” comenzó la era dorada de las series de TV en EEUU.  Su valiosísima combinación calidad/popularidad hizo posible que las cadenas se atrevieran a ir un poco “más allá” con sus productos. “Six Feet Under”, “The Wire”, “Deadwood”,”Sons of Anarchy” y tantas otras deben en parte su existencia al camino abierto por esta obra magna creada por David Chase.

No voy a enumerar aquí las excelencias de la serie porque ya lo hice anteriormente en dos post (parte 1, parte 2) a los que les remito. Solo decir que, a falta de visionar aún mucho (supuesto) buen material, sólo he encontrado una serie que realmente pueda poner a la altura de la que nos ocupa, la magnífica “Mad Men”, a la que recomiendo echen un ojo.

Anteriormente en Top30:
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Transformers
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Batmanía
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John Byrne’s Next Men
Trilogía Nikopol
La fOntana y la sOnda
12 Monos
Pulp Fiction
Wipeout
Brut Comix
La Casta de los Metabarones
Ænima
Carretera Perdida
The Invisibles
Cosecha Cinematográfica del 99
La Caída

No soy muy de obituarios. En los casi cuatro años que llevo con el blog no he posteado una sola nota necrológica, pero creo que la prematura muerte del genial Satoshi Kon (46 años) bien merece unas líneas de duelo.

Porque en esta ocasión la tristeza no viene solo porque se nos ha ido un verdadero grande de la animación, sino también porque da la impresión de que al hombre le quedaba aún muchísimo que ofrecer. De sus comienzos como discípulo de Katsuhiro Otomo a principios de los noventa, fue evolucionando a una velocidad endiablada, llegando, en mi opinión, a superar a su maestro con esas dos joyas onírico-jungianas que son   “Paranoia Agent” y “Paprika”, obras que demostraron como pocas el auténtico potencial del cine de animación (en 2D para más inri) a la hora de abordar ciertos temas e historias en los que la “imagen real”, por mucho CGI que le chuten, no puede dar la talla.

En fin, nunca sabremos lo que nos hemos perdido. Solo queda esperar que siga vivo mucho tiempo en ese inconsciente colectivo que tanto le gustaba retratar (metafóricamente) en sus películas y que su legado sirva para inspirar  a futuras generaciones de autores. Sniff…

Pueden verlo aquí a mayor tamaño.

“Porque el español que opera en Internet ha alcanzado la madurez de una persona muy democrática: nada le gusta más en el mundo –aparte de consumir- que creer que su vida es de gran importancia. Pero no valiosa en el sentido biológico. No. Es importante porque tiene unos valores. El internauta español que feisbuquea es listo, tiene una vida muy interesante, tanto en cuanto a trabajo, conocimientos y aspiraciones; no digamos ya en vida social, y no hablemos de talento, inteligencia y encanto personal, y otras bondades… por tanto, su vida, sus pensamientos, sus ocurrencias, son merecedoras de ser propagadas a los cuatro vientos.”

Grace Morales en Mondo Brutto #41

El texto original de Frank Herbert:
“It is said of Muad’dib that once when he saw a weed trying to grow between two rocks, he moved one of the rocks. Later, when the weed was seen to be flourishing, he covered it with the remaining rock. ‘That was its fate,’ he explained.”

“1984” de George Orwell.

Utilizada como letra para el (vírico) tema “9 Samurai” de Kode9 and the Spaceape:

Porque “Inception” es ante todo, una película de robo y estafa (heist en inglés) con la peculiaridad de que, como dice su eslogan, la mente es el escenario del crimen. Si nos abstraemos del elemento sci-fi tenemos la estructura clásica del género: Un gran golpe que solucionaría la vida del protagonista, la búsqueda de un equipo a la altura, la elaboración de un complejo plan y por último, su puesta en práctica con múltiples e inesperadas complicaciones.

Pero ¿que añade el contexto onírico? Primero, aporta cierto grado de profundidad al conflicto interno de Cobb (interpretado por DiCaprio), cuyas obsesiones se verán proyectadas en ese  alucinado espacio de trabajo que es el pensamiento inconsciente. Segundo, y más importante, ofrece la posibilidad de llevar a cabo un tour de force narrativo-visual que sin duda constituye el mayor atractivo del film. Nolan demuestra una vez más que cuando un presupuesto de blockbuster se pone al servicio de un buen planteamiento argumental y narrativo, el resultado deja con la boca abierta, pese a todos los peros que se le puedan poner al producto.

En ese sentido, quizás el aspecto más endeble del film sea la excesiva cantidad de reglas que rigen la tecnología de infiltración onírica. Meter de golpe al espectador en un universo con tanta ley imaginaria dificulta en ciertos momentos alcanzar la suspensión de la incredulidad adecuada y produce inconsistencias argumentales. Pero olvídense del tema. “Inception” es ante todo una experiencia audiovisual de alto nivel que no deberían dejar pasar.

Tráiler:

Dibujos animados brutos hay muchos, pero lo de “Superjail!” sobrepasa el límite de la demencia. Gran parte de la culpa la tienen esas secuencias de violencia sin sentido que provocan una sobrecarga sensorial cuasi-epiléptica. Aquí un ejemplo:

[Para ver el video debes ir al post original]

Porque tras esa apariencia de película insustancial de “monstrua” y científicos locos, “Splice” tiene mucha mucha chicha. De hecho los que se esperen un slasher biotecnológico con sangre y muerte a borbotones van a quedar considerablemente decepcionados. El que la estrella de la función sea una mutante creada en laboratorio no debería desviar la mirada del espectador sobre sus creadores, convincentemente interpretados por dos actores de talla como son Adrien Brody y Sarah Polley.

Natali no se queda en la tópica superficie con disgresiones éticas acerca de trabajar con material genético humano en el laboratorio, va mucho más allá. Esta peli va sobre la inmadurez, sobre tomar conciencia de ser responsable de una vida (in)humana, sobre el concepto de propiedad aplicada a los seres vivos, y también sobre el hecho de proyectar las frustraciones, miedos y deseos sobre un tercero más débil. Los personajes de Clive y Elsa se erigen como novísimos arquetipos de la clase acomodada en la era post-ideológica: inteligentes, hedonistas, nerds en el sentido cool de la palabra (como mola su pisito freakie) y que ven y viven la vida como algo que no se debe tomar demasiado en serio. Pero siempre hay puntos oscuros, que el director canadiense adapta al contexto del film con enfermizos y fascinantes resultados.

Ya he comentado en alguna ocasión lo mucho que me fascina el océano desde el punto de vista de “otro mundo que está en este”.  Vivimos en un planeta donde el 70% de su superficie es tan hostil a la vida humana como lo pueden ser Venus o Marte; esto viene causado por su particular atmósfera: el agua, que paradójicamente es la sustancia base de nuestro organismo y de la cual depende nuestra supervivencia. Si pensamos en lo poco explorados que están la superficie y el fondo oceánicos, llegamos a la conclusión de que vivimos en un planeta mucho más misterioso y desconocido de lo que pueden hacernos creer las “omniscientes” fotos satelitales del Google Maps.

Jana Winderen ha conseguido captar ese hálito misterioso e inabarcable de lo marino como mejor sabe hacer: registrándolo sonoramente. ”Energy Field“ está compuesto por tres largas piezas montadas en base a grabaciones realizadas en el Mar Báltico y en las costas de Groenlandia. Dicho material ha sido recogido mediante hidrófonos (micrófonos para el medio acuático) y descubren un mundo que parece estar situado en la otra esquina de la galaxia. No dejen de escucharlo.

Jana Winderen – “Aquaculture” (fragmento):
[Para ver el video debes ir al post original]

En ese saco metería sin duda mi obsesión por el Existencialismo ocurrida a principios de los dosmiles.  Leí un buen montón de novelas, obras de teatro y ensayos pertenecientes a esta corriente filosófica. Ahora, visto con perspectiva, puedo decir que todo lo que realmente me interesa del tema está contenido en una novela: “La Caída” de Albert Camus.

Se dice que Camus fue un excelente novelista, pero un filósofo bastante limitado. Soy de los que pienso que sí era un buen filósofo, pero que expresaba mejor sus ideas sobre una novela que en forma de ensayo, cosa que  los puristas de “lo teórico”  miran con cierto desdén. Las ficciones son más adecuadas para plantear interrogantes sin respuesta clara, o con respuesta ambigua, y en esos terrenos Camus se mueve como pez en el agua. Precisamente en “La Caída” desarrolla, entre otros, un tema clave del pensamiento existencialista: el juicio de “el otro” sobre uno mismo. Este asunto se asocia habitualmente a su colega Jean Paul Sartre, pero en lo que a mi respecta saqué más en limpio de esta novelita que de los tostones sartreanos.

La cosa va de un abogado bienhechor, enchido de satisfacción por su propia bondad y el respeto y admiración que inspira en sus amigos y conocidos. Una fría noche paseando al borde del Sena, le parece escuchar un grito proveniente de un puente. No ve a nadie, pero sospecha que alguien podría haber caído al agua. Para evitar el dilema moral de acudir o no al rescate, que implicaría un gélido y peligroso chapuzón, se hace el tonto y sigue andando sin comprobar nada. En los días posteriores, el (secreto) suceso comienza a obsesionarle cambiando su percepción de la realidad: a lo mejor no era tan querido, ni tan bueno, ni tan poco egoísta, y a lo mejor sus amigos no eran tan amigos… Infierno psicológico montado, con reflexiones tan ambiguas que el lector ha de sacar sus propias conclusiones acerca de la situación.

Respecto al dilema inicial del rescate, yo tengo una respuesta clara, y es la misma que da el personaje de  Woody Allen en “Manhattan”:

[Para ver el video debes ir al post original]

–

Actualización/Corrección: Tras echarle una ojeada a la novela caigo en la cuenta de que el suceso del puente difiere un poco a como yo lo cuento, el narrador/protagonista no oye un grito sino “una risa que se alejaba” y que “solo podía venir de abajo”… osease, que el teórico accidentado podría ser un suicida. En fin, hace casi una década (ya?!) que leí el libro y mi memoria no es perfecta.

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Batmanía
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John Byrne’s Next Men
Trilogía Nikopol
La fOntana y la sOnda
12 Monos
Pulp Fiction
Wipeout
Brut Comix
La Casta de los Metabarones
Ænima
Carretera Perdida
The Invisibles
Cosecha Cinematográfica del 99

Mucho se ha escrito sobre el carácter psicopatológico de Batman, pero nunca con tanta profundidad. El psiquiatra Jesús Ramos Brieva le dedica todo un ensayo de más de 200 páginas. Pueden descargar el pdf aquí.

(gracias a Diego por la info)

[Para ver el video debes ir al post original]

La intro, la del programa “De buena ley” (juicios populares televisados, ya saben). Esas personas de la calle representadas como minúsculas figuritas, rodeadas por sobredimensionados objetos, símbolos de aquello que rige nuestras vidas y nos subyuga. Solo falta una mano gigantesca manejando las figuras (¿Dios?) para definir completamente la dimensión mítica del corto.

El tráiler, el que promociona “The Social Network”, la nueva de David Fincher, a estrenar en otoño. En ella se cuenta el siniestro origen de Facebook, esa pieza de software que demuestra que una idea realmente puede cambiar el mundo. Si de algo ha sido impulsora esta red social es de la hiperemotividad de todo a cien que podemos ver a diario en los “muros” de millones de abonados al invento. Los publicistas han utilizado esa poderosa  arma (cover de “Creep” mediante) para crear empatía con el usuario medio de Facebook en los primeros 30 segundos de la pieza, y después mostrarnos la naturaleza de los “men behind the curtain”, los demiurgos que están forjando esta nueva sociedad, con sus juicios, sus envidias y sus millones. Más mito. 

¿Qué se supone que significa esto último?¿Una nueva era del no-humor?¿Chistes sin gracia? Lo único que sé es que la categoría es aplicada, muchas veces de forma despectiva, a gente como Wes Anderson, Sacha Baron Coen, Nacho Vigalondo o Joaquín Reyes. Gentes con visiones más o menos diferentes en esto del hacer reír, pero que si algo tienen en común es su capacidad de abrir nuevos caminos, centrándose más en lo que a ellos les hace gracia y menos en como complacer a la mayor masa social posible,   demostrando que incluso los Monthy Python pueden quedar desfasados. No hacen post-humor, hacen HUMOR con mayúsculas cuyo único pecado es parecerse poco a cualquier cosa que haya existido antes.

Esto viene a cuento porque acabo de añadir dos nuevos nombres a mi panteón de este tipo de humoristas fieles a si mismos pese a quien pese: Jonathan Millán y Miguel Noguera. Su más reciente obra: “Hervir un Oso”. Sus características:

1. Parece un tebeo pero no es exactamente un tebeo (¿post-comic?)
2. Es humor gráfico, pero en muchos casos el texto predomina sobre la ilustración (¿post-viñeta de prensa?¿post-libro?).
3. Millán y Noguera tiran de lo referencial, pero a su manera, elaborando descabellados mashups: Los Alcántara y las matemáticas de bachillerato, Locke y la ópera, CSI y el queso. (¿post-posmoderno?)
4. Si Baudrillard acuñó el termino hiperrealidad como una realidad fabricada más real que la realidad misma, lo que hacen estos señores podría definirse como hiperlógica: el hecho de que un fantasma se golpee la cabeza contra una viga supone un fenómeno paranormal dentro de un fenómeno paranormal; si el helio agudiza la voz, basta insuflárselo a un bebé chillón para que su berrinche desaparezca, convertido en ultrasonido; y no les cuento como la matemática pura dice que Antonio Alcántara llegaría a alcanzar la velocidad de la luz en “Cuéntame”, si esta serie siguiese emitiéndose unos años más… (¿post-empirismo?)
5. Más allá de si cada uno de los 50 capítulos hacen gracia o no, en conjunto, la lectura del (no)tebeo genera la sensación de llevar implícito un subtexto arcano y revelador que se nos escapa. No sé que pasa en muchas de esas páginas, pero desprenden algún tipo de verdad que quizá descifremos dentro de unos miles de años  (¿post-conciencia?).

Si se hacen con el tomo, les auguro unas buenas dosis de satisfacción post-lectura.

Banda sonora del post: Zak Sally – “Corpsegrinder”

“La mayoría de los periódicos definían el recinto como un cruce de parque temático y centro comercial. A ratos resultaba más inquietante, como cuando las pantallas emitían anuncios de Prosegur o el público agitaba alegremente globos-salchicha de Ramstad (empresa líder en el sector del trabajo temporal). Dos imágenes dignas de la antiutopía ballardiana Bienvenidos a Metro-Center.”

Víctor Lenore en Rockdelux #286 (Julio/Agosto de 2010)

Banda sonora del post: Shellac – “End of Radio”

Visto en Sed Non Satiato